Les temps ne portent pas à la sérénité.

Par la magie de la parole , Zack Keeman ouvre son coeur pour la trouver

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pour voir l’auteur de On The Road revenir sur le devant de la scène musicale. « jai pris du recul afin de rediriger mes énergies. J’ai ainsi ajouté une corde à mon arc puisque depuis plus de cinq ans, je pratique ce que je nomme peinture minérale dans ce sens que mes oeuvres sont principalement constituées de cailloux et d’autres matériaux comme le verre ou la pâte à modeler. Cette expérience a considérablement modifié ma conception des formes et de la plastique en général » explique le natif de Dakar désormais établi à Saint-Etienne en France. Et le nouvel album de Keeman semble traduire cette mue tranquille, à la confluence des genres. Un parti -pris symbolisé par The Light ( la lumière en français), le premier single dévoilé par l’enfant des Sicap. « même si le reggae reste mon ADN musical, j’ai eu envie d’explorer d’autres voies et apporter ma vision à la musique de demain. Et cette musique, je la nomme afro groove puisqu’elle retourne aux sources africaines de toutes les musiques actuelles tout en s’ouvrant au jazz, au blues ou à la funk. « , explique Zack. Mais The Light est surtout un appel à l’acceptation de soi et des autres. Mais ce clip représente plus que cela puisqu’il est le fruit d’une volonté d’avancer coûte que coûte, avec les moyens de notre richesse interne et ce, malgré les nombreux obstacles auxquels se heurtent les artistes auto-produits comme Zack. Car il aura fallu pas moins de dix mois (covid oblige) pour terminer le clip et vous le livrer! Une production traversée par le jeu magnétique de l’actrice Sabrina Zekkouti, déjà aperçue dans des films institutionnels pour les hôpitaux de Saint-Etienne, la présence tranquille du percussionniste franco-sénégalais Cheikh Goudiaby et la patte intimiste du réalisateur stéphanois Tony Jazarevic qui a su percevoir la profondeur du sujet et sa sensibilité. Une bonne entrée en matière pour les fans. En attendant la sortie de l’album « Words Of Freedom  » ou la parole libératrice en français qui comportera en tout treize titres allant du reggae à l’afro groove ainsi que quelques surprises. Et comme pour l’album On the Road paru en 2013, Zack Keeman a, faute de moyens pour payer des musiciens, joué de tous les instruments sauf la batterie et les percussions. « Pour le premier album, j’avais été contraint de faire tout seul. Mais j’y ai finalement trouvé du bon puisque cette formule m’a permis de travailler avec beaucoup de liberté et de flexibilité sur mon home studio à la maison pendant que les musiciens attendaient que les studios rouvrent, explique Keeman. Pour ce qui est des drums, c’est un domaine dans lequel je dois m’améliorer, je suis encore un piètre batteur »(rires). En attendant, The Light éclaire déjà la longue nuit qui a recouvert le Monde en 2020, comme un appel au bonheur et à la fraternité.<strong>

 THE LIGHT

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Elevée à Reims dans un milieu universitaire où le jazz est une religion, Jeanne est désignée à ses quinze comme « spécialiste de la musique » par ses parents qui lui demandent de s’occuper de la discothèque familiale. Avec ses parents, elle fait consciencieusement des courses chez les disquaires, suivant une liste imaginaire des classiques à écouter absolument. « l’été de mes treize ans, je me suis retrouvée à chanter  Stairway to Heaven de Led Zeppelin devant toute la colo. Ce fut le tout premier déclic ».

Dès lors faire de la musique devient une évidence. Jeanne choisit le violoncelle (« parce qu’elle était amoureuse d’un grand de CM2 qui en jouait ») sous la férule d’un père qui joue les mentors et ne lui fixe d’autre but que de s’amuser. Mais il faudra attendre ses 17 ans pour Jeanne éprouve le désir de se consacrer entièrement à la musique, elle qui avant ce moment pestait à l’idée de faire des exercices « car comme beaucoup d’enfants, je manquais de persévérance », raconte l’intéressée.

A ses 18 ans, Jeanne quitte Reims où elle est née pour le Conservatoire de Paris pour étudier le chant et le violoncelle. Son premier groupe No Sugar Added Quintet avec notamment Sylvain Bernard au piano propose principalement de la musique instrumentale (Shorter, Wheeler. . . ), « avec d’excellents musiciens, et une bonne blague dont j’étais assez contente à l’époque. » C’est ensuite au sein du trio Yes A Plesant Country qu’elle fait vraiment parler d’elle. Pendant une dizaine d’années, avec Bruno Ruder au piano et Vincent Lâ Quang, ils inventent une musique aérienne teintée de pop. Mais Jeanne met les voiles pour Melc, que Jeanne considère une nouvelle étape dans son parcours musical. A raison,  puisque que c’est avec cette formation qu’elle enregistre un joli disque salué par la critique.

C’est en faisant la première partie de Napoli’s Wall de Louis Sclavis avec ce groupe que Jeanne rencontre le violoncelliste Vincent Courtois, à l’été 2005.  Ce dernier lui demande de rejoindre son quartet où elle chante et joue du violoncelle. C’est ensuite au tour de Septet Ilium de Pierre de Bethman de faire appel aux talents de vocaliste de Jeanne. Le fait de les rejoindre revêt une grande importance car « elle se sent pousser des ailes » «devant ses tueurs » avec qui elle va enregistrer deux disques. Jeanne participe aussi à Bruit du sign en compagnie de Nicolas Stéphan au sax. Une expérience qu’elle considère comme « une longue et belle aventure musicale avec des amis. J’ai le souvenir d’un apprentissage du travail en groupe , ainsi que d’un sublime voyage en Ethiopie. » Parallèlement elle continue de se produire avec son groupe de cœur Yes Is A Pleasant Country. Une manière de garder un pied dans le jazz. Car Jeanne est insensiblement entraînée vers le monde du rock qui à son goût est trop souvent coupé du monde du jazz.

Cette année 2013, en compagnie de Marielle Chatain (sax, percussions, claviers) Jeanne propose un duo étonnant et très rythmique. C’est l’évolution de ces performances à la couleur très rock où les percussions et les claviers en rajoutent sans cesse qui va aboutir à son premier EP en 2011, puis à son premier album pop-rock Be Sensationnal paru en juin 2015. Une merveille d’album tant Jeanne parvient à (ré)concilier le jazz, la pop et le rock, repoussant de manière élégante la frontière que les bien-pensants ont tenté d’établir entre les genres. Un sacré tour de force qu’il faut saluer dans un monde musical monocolore et où le choix de faire ce que l’on veut équivaut souvent à un suicide. Bravo Jeanne !. Zack Badji

Illustration: aquarelle de Régine Coudol-Fougerouse

Ce goût de l’Autre et du partage s’expliquent certainement par ses origines marseillaises, lui qui a vu le jour dans le quartier du Panier, un des quartiers « chauds » de la ville phocéenne. C’est là, entre un père qui chante Brassens et une mère corse d’origine grecque et italienne que Jehro attrape le virus de la musique. Mais bientôt, le jeune Jehro qui a vingt ans, trouve vite Marseille trop petite et décide de larguer les amarres direction Londres.

C’est dans le quartier de Hammersmith, haut lieu de la culture populaire que Jehro pose ses valises et se lance à corps perdu dans son art. Certes, les conditions ont spartiates puisqu’il vit dans un squat d’artistes, mais Jehro n’en a cure, plongé qu’il est dans une effervescence créatrice qui lui fait oublier la faim et le froid.

Au milieu de musiciens espagnols et jamaïcains, Jehro perfectionne son jeu de guitare en reprenant les standards de la pop et s’émancipe peu à peu de sa langue natale en prêtant la voix aux textes de Bob Marley qu’il reprend dans le métro londonien et se prend d’affection pour le reggae, sa spiritualité et ses racines. Mais les conditions ne s’améliorant pas, Jehro rentre en France et s’installe dans un petit hôtel parisien situé rue Marcadet dans le 18^ème,un endroit où il retrouve quelque peu la chaleur et la mixité de Hammersmith. Sa nouvelle source d’inspiration, c’est Pigalle, Montmartre, Belleville, autant d’endroits où les nuits sont plutôt courtes, les bars enfumés et où les filles se laissent aller sur la piste .

Bref, un terrain fertile jonché de rencontres, d’émotions qui va accoucher de « L’arbre et le Fruit », un album sorti chez Chrysalis/Emi en 1999 sous son vrai nom, Jérôme Cotta. Un premier opus très bien accueilli et qui lui valut un véritable succès d’estime en France,sans vraiment le placer dans la cour des grands. Car heureusement ou malheureusement, Jérôme,faute de soutien structurel, a toujours la tête dans les étoiles et continue de jammer dans les radios, les soirées entre amis et les bonnes bouteilles de Bordeaux.

A ses heures perdues, il jamme dans le studio de deux nouveaux camarades rencontrés dans sa cour d’immeuble : Christian Brun et Richard Minier. Patrons du team Marathonians-Superfruit, les sus-nommés vont épauler Jérôme et lui offrir la possibilité de développer un nouveau style musical qui va accoucher de en 2003 de « A Tropical Soul », un album aux tonalités indo-électro matinées de Calypso à la sauce pop.

Ce projet abouti, Jérôme se fait quelque peu oublier et retourne chez lui dans le sud, et là, au milieu des terres ocre et rouge, naît la première mélodie d’un projet d’album chanté en anglais qui sort en 2006. « Jehro », c’est son nom, restera à nos yeux l’album de la césure tant dans le contenu que la forme, mais aussi parce qu’il constitue l’acte de naissance d’un Jehro décidé à faire définitivement le break et passer du statut d’artiste estimé à celui d’artiste reconnu. On retrouve dans cette livraison l’amour éternel de Jehro pour les Caraïbes et ses rythmes que sont le reggae, le calypso ou la parangue, mais aussi l’émotion que lui procurent les gens simples dont il raconte les histoires avec des textes co-écrits avec Jake Bailey. Un album tout aussi bien accueilli que le premier puisqu’il est même nommé au Prix Constantin sans toutefois l’emporter.

En 2011, Jehro va enrichir sa discographie avec « Cantina Paradise », un magnifique appel à la fraternité qui lui vaudra en 2012 une Victoire de la musique dans la catégorie « musiques du monde » S’ensuivra l’album « Bohemians Soul Songs », une merveille ciselée avec ses amis de toujours et qui lui vaut désormais de figurer en bonne place sur l’échiquier de la musique.

Un juste retour des choses pour un artiste authentique dont le refus de s’insérer dans un système paraissait à beaucoup comme une erreur marketing. Mais cette « erreur » a fait de Jehro un patrimoine unique pour des millions de gens en recherche de fraternité pour qui la seule voix de l’enfant du « Panier » évoquera toujours le voyage et la liberté. Zack Badji

Illustration: dessin de Régine Coudol-Fougerouse

Le chant, c’est du sport !

Vous l’avez sans doute constaté en essayant d’imiter vos chanteurs préférés : chanter est une activité comparable à la pratique sportive avec, en outre une dépense énergétique sans commune mesure du fait de la contraction simultanée de beaucoup de muscles. Dès lors, les bienfaits du chant peuvent être résumés en deux mots : contrôle du souffle et renforcement musculaire.

Le contrôle du souffle

Alors qu’au quotidien notre respiration est superficielle et essentiellement thoracique,pour chanter nous devons adopter une abdominale.Un entraînement régulier permet ainsi de développer jusqu’à 30% notre capacité respiratoire! Mais ce n’est pas tout :cette respiration que l’on retrouve en sophrologie, yoga et autres techniques de relaxation implique un réel relâchement musculaire comparable aux effets du streching. A la clé,une sensation de bien-être renforcée par les hormones du plaisir. Car chanter provoque une vibration des cordes vocales dont la répercussion fait écho jusque dans nos cellules profondes, ce qui stimule la sécrétion d’endorphines , ces hormones bien connues des sportifs, qui procurent une sensation d’euphorie, nous aidant à dépasser nos limites et nous rendent accros!

Un renforcement musculaire de la tête aux pieds

Si chanter sollicite principalement les muscles de l’abdomen -diaphragmes et transverses (abdominaux profonds)-, les autres ne sont pas pour autant au repos. Ils sont ainsi plus de 300 à intervenir ! C’est la quasi-totalité de ceux du visage, en particulier le petit et le grand zygomatiques, ce qui redonne du tonus à la peau et améliore l’ovale. Les dix-sept muscles de la langue se contractent en alternance tandis que les muscles profonds,qui assurent le maintien de la posture, entrent en action. Les épaules sont basses et rejetées en arrière, ce qui renforce les muscles du dos et les fixateurs de l’omoplate, d’où un port de tête irréprochable.

Les consignes à respecter

Selon Corrine Rocca, chanteuse, spécialiste de la voix, trois consignes sont à respecter :

Respirez avec le ventre

Allongé sur le dos, posez les mains sur le ventre et effectuez de grands mouvements respiratoires pour sentir l’abdomen gonfler et dégonfler.

Articulez sans avoir peur de faire de grimaces

Se forcer à prononcer tous les mots en articulant exagérément permet précision vocale et meilleure justesse.

Choisissez une musique sur laquelle vous vous éclatez

Des tests ont montré que les performances physiques pouvaient augmenter de plus de 20% grâce à elle. Alors, à vos micros et bon sport!     Zack Badji

A l’occasion d’une interview qu’il accordait à un journal allemand en 1974, Bob Marley disait ceci : « mon sentiment est que cette musique(le reggae) grandira et trouvera son vrai public ». Et le journaliste de relancer : »le reggae n’est pas destiné aux Africains ? de quel public parlez-vous ? Après un moment où Bob semble s’amuser de la surprise du journaliste, il répond : « le reggae s’adresse à tous les peuples et c’est pourquoi il est mystique. » Cette « prophétie » semble s’être réalisé car le reggae malgré toutes les tentatives de ghetthoïsation, s’est imposé sur les cinq continents comme une musique engagée et intemporelle. Le chanteur allemand Gentleman en est certainement la preuve, lui qui est entré dans l’Histoire comme le premier Européen à totalement s’imposer dans le milieu très fermé du reggae, ouvrant ainsi la voie à des chanteurs comme le Français Naaman ou l’Italien Alborosie.
De son vrai nom Otto Tilman, Gentleman est né en 1975 à Osnabrück, non loin de Cologne en Allemagne.
Depuis son très jeune âge, Gentleman baigne dans la musique grâce un frère passionné de son, mais ce n’est qu’à dix-sept ans qu’il découvre sa voie à l’occasion d’un voyage en Jamaïque. Dès lors il ne cessera plus de s’intéresser à la culture jamaïcaine et de la vivre de l’intérieur à l’occasion de ces nombreux voyages sur l’île. C’est certainement grâce son respect et son amour sincère pour le pays de Bob Marley que Gentleman parvient à obtenir la confiance qui lui permet aujourd’hui de côtoyer les plus grands noms du reggae.
Avec ses groupes successifs, Gentleman se forge peu à peu une réputation de bête de scène mais ce n’est qu’en 2001 qu’il se révèle au monde avec le single Leave us Alone qui explose les records d’audience, aidé en cela par la magie d’un Internet balbutiant.
En 2003, c’est l’album Journey to Jah qui confirme les espoirs qu’avait suscités Leave Us Alone. S’y trouvent les deux perles qui vont faire le tour de la planète et installer Gentlemen comme un boss du reggae : Dem Gone et Runaway. Sur cet opus, Gentleman réussit la prouesse de réunir des mastodontes du reggae comme Junior Kelly ou Capleton, marquant par là son entrée dans le gotha du reggae mondial.
Deux ans plus tard (entrecoupés de la sortie d’un DVD Live Gentleman & the Far East Band Live en 2003) sort l’album Confidence sur lequel se trouvent entre autres le magnifique Superior, Intoxication ou le sémillant Rumours qui sont désormais inscrits au patrimoine mondial du reggae.
Une fois encore, Gentleman est bien entouré avec la présence de son idole Ras Shiloh, le tonitruant chanteur de dancehall Anthony B ou last but not least, le légendaire Barrington Levi himself. La tournée promotionnelle qui suit est un véritable triomphe et Gentleman se trouve tellement demandé qu’il refuse des dizaines de dates à travers le monde. Les déçus vont se consoler avec un album Live de cette tournée où figure en prime un single inédit intitulé Runaway qui est aujourd’hui une référence absolue.
Durant les deux ans qui suivent, Gentleman passera la majeure partie de son temps sur les routes, ce qui ne l’empêche pas de concocter un nouvel opus détonnant au nom évocateur de Another Intensity qui paraît en 2007.
Il faudra attendre 2010 pour voir le chanteur de Cologne de retour dans les bacs l’excellent Diversity où Gentleman démontre à nouveau sa connaissance du reggae, passant du reggae roots au dancehall avec une facilité dont ne reviennent pas ses amis jamaïcains. Mais là où Gentleman va faire mieux c’est qu’il va en rectifier une injustice maintes fois dénoncée par les adeptes de reggae. En effet, il apparaît encore comme un mystère le fait qu’en 25 ans d’existence, le très couru MTV Unplugged (qui est une série de concerts acoustiques organisés par la fameuse chaîne de télé américaine) n’ait jamais invité un artiste reggae. Depuis cette année, l’injustice est réparée puisque le natif de Cologne est désormais le seul artiste reggae à avoir jamais chanté sur la scène des MTV Unplugged. Un vrai exploit! Des mauvaises langues ont prétendu que la couleur de sa peau y était pour beaucoup, mais force est de reconnaître que cette consécration est tout à fait méritée après sept albums tout aussi aboutis les uns que les autres.
Non seulement à cause de la qualité de sa musique, mais aussi parce que Gentlemen s’est surtout intéressé à l’autre au point de s’immerger dans la culture des Caraïbes, combinant à merveille le reggae des origines au dancehall.
Mais aussi parce que c’est un artiste à la voix inimitable qui a fait du cross over (la jonction entre genres musicaux et peuples) sa marque de fabrique comme pour rappeler la fonction première du reggae qui est de rassembler pour libérer. Zack Badji

Illustration : Régine Coudol-Fougeouse

Cela fait des décennies que Bobby Womack arpente les scènes du monde entier pour dénicher la perle rare. Une fois encore, il ne s’est pas trompé en allant dénicher Denai Moore. Cette jolie anglaise de 21 ans née en Jamaïque est parvenue à mettre tout le monde d’accord en l’espace d’un EP quatre titres au ton curieusement mature et grave.

Denai définit l’écriture comme une « compulsion » qui date de ses sept ans quand entourée par les instruments de son père, elle tâte du piano, du melodica ou de l’harmonica. C’est quand elle se prend d’une passion définitive pour la guitare que Denai commence à écrire pour de bon. Ses premières chansons sont si étranges et son univers si trouble que personne ne croyait qu’une fillette pouvait composait des chansons aussi profondes. « Venant d’une personne de douze ans, cela pouvait apparaître comme une arnaque. Les chansons étaient tellement profondes que les gens pensaient que mon père écrivait pour moi, mais les idées venaient juste de ce que j’avais vu autour de moi et au cinéma », se rappelle Denai.

C’est à la fin 2012 que Denai se révèle au public avec la mise en ligne de Flaws, un titre venu d’ailleurs qui va foutre un coup de pied dans la fourmilière soul encore orpheline d’Amy Winehouse et qui avait trouvé une nouvelle reine en la personne d’Adèle. Mais elle peut trembler car à 21 ans, Denai Moore possède déjà ce qui fait l’âme et la moëlle de la soul :ses chansons produisent une immédiate et intemporelle catharsis tout au long des quatre titres qui composent son premier opus.

De la gravité de Wolves, au déchirement de l’abandon dans Gone, en passant par l’abandon de Sodade, Denai maîtrise déjà cet art si difficile qui consiste à fondre son âme dans une musique au ton aigre-doux, souvent parcourue d’accès d’euphorie venus de nulle part.

Il serait cependant hâtif de tresser des lauriers à la jeune anglaise, car la musique de Denai Moore en est encore à ses balbutiements, mais une chose est sûre :la soul tient sûrement en elle une de ses futures étoiles. Zack Badji

Illustration: aquarelle de Régine Coudol-Fougerouse

C’est sans doute de cette période qu’elle a acquis cette capacité rare à « essorer » une note, en en tirant jusqu’à la dernière goutte. Durant son service militaire en Israël, elle fonde le groupe the Anti Collision avec qui elle va se produire sur les scènes israéliennes. Nous sommes 1995 et Yael a fini de convaincre ses compatriotes, mais peine à faire l’unanimité sur le plan international. Il faudra attendre 2000 et un concert de charité en France que le directeur artistique de EMI la repère et la signe pour son premier album.

En 2001, paraît In a Man‘s Womb qui sera un mini échec du fait de son côté trop confidentielle, sans oublier que Yael juge qu’elle a subi des pressions qui font que l’album « n’était pas abouti » au moment de sa sortie. Mais la demoiselle ne jette pas l’éponge pour autant et va même ajouter une corde à son arc en participant à deux comédies musicales initiées par l cinéaste Elie Chouraqui. En 2004, Yael rencontre David Donatien et tous deux commencent à travailler sur un nouvel album.

Leur labeur est récompensé trois ans plus tard quand ils signent sur le label Tôt ou tard sous le nom de projet Yael Naim et David Donatien. Quand l’album sort en France le 22 octobre 2007, il est immédiatement numéro 1 et est certifié disque d’or en France trois semaines après sa parution. Il sortira par la suite dans 18 pays ; En 2008, la chanson New Soul est utilisée par la firme Apple Inc pour la publicité de son Mac Book Air, propulsant par là même une chanteuse inconnue au rang de star planétaire.

En France, New Soul restera n°1 des ventes pendant quatorze semaines consécutives! Toujours en 2008, Yael remporte sans surprise le « prix du meilleur album » dans la catégorie Musiques du monde aux Victoires de la musique. Yael Naim et David Donatien entament cette année là une tournée qui durera deux ans et comportera plus de 200 concerts à travers le monde.

Après plusieurs projets en parallèles dont une apparition dans la série culte Les Simpson, Yael revient dans les bacs en 2010 avec l’album « She was a boy ; De nouveau coproduit avec Donatien, cet opus comporte 13 chansons originales qui vont tout de suite faire l’unanimité quant aux talents d’écriture de Yael Naim. L’album sera certifié platine en France et le succès est tel que la firme Nestlé choisit Come Home pour illustrer une campagne publicitaire.

La tournée qui suit la sortie de She was a boy va élargir le public de Yael qui pendant deux ans va parcourir les Etats-Unis, le Japon et l’Amérique du Sud, devenant par là même une icône de la paix, elle qui a vécu le conflit israélo-palestinien au quotidien. Car voilà ce qu’est la musique de Yael Naim :une ode à la compréhension et au respect de l’autre, une voix infatigable dans l’immensité d’un monde où la musique est souvent plus apte à rassembler que tous les discours. Zack Badji

Illustration : aquarelle de Régine Coudol-Fougerouse

La jamaïcaine Etana est certainement en train de marcher dans leurs traces, elle qui en l’espace d’un album a affolé tous les compteurs. Jugez-en plutôt : en 2009 seulement, Etana a remporté les titres de meilleur album de l’année en Jamaïque, meilleur album aux Mobo Awards, meilleure artiste féminin aux EME Awards. Et la liste n’est pas exhaustive.

De son vrai nom Shauna Mackenzie, Etana est née le 22 mai 1983 à Kingston en Jamaïque. En 1991, elle devient célèbre quand avec son groupe Air Supply, elle entre dans les charts. Le monde découvre une gamine de huit ans au bagout incroyable, mais il y a surtout cette voix anormalement mature, capable de passer des aigues aux graves en un clin d’œil. Alors qu’on lui prédit une carrière en or dans son pays natal, Etana décide de tenter le pari de percer aux Usa. « certains ont dit que je faisais un pari fou, mais j’avais besoin de grandir loin du cocon familial, et je suis partie », explique-t-elle.

En 1992, Etana s’inscrit au Broward Community College de Floride où elle suit une formation pour devenir infirmière. Mais en 2000, elle arrête tout pour se lancer dans la musique au sein d’un groupe vocal féminin dénommé Gift. Très vite Etana attire l’attention de Universal Records, mais alors qu’elle est sur le point de signer, Etana met fin aux pourparlers. La jeune femme explique son refus par le fait qu‘elle refusait «le diktat des grandes maisons de disques qui ne visent qu’à répandre des stéréotypes négatifs quand il s’agit d’artistes féminines ».

Etana retourne dans sa ville natale de Kingston et se concentre afin de produire une musique reflétant son engagement dans les principes du Rastafarisme qui donnent une place centrale à la femme à travers les enseignements de Marcus Garvey et Haile Selasie..

L‘opportunité se présente en 2005 quand un de ses amis convainc la maison de disques Fifth Element Records qui s’était fait connaître la même année en mettant sur le marché le mega tube de Richie Spice Earth A Run Red . Il est demandé à Etana de devenir choriste de Richie Spice et après avoir brillamment passé l’audition, la jeune chanteuse s’embarque avec le chanteur jamaïcain pour une longue tournée en Europe et aux Etats-Unis. Très vite elle persuade les musiciens de Richie Spice qui décident de l’accompagner . Cette collaboration va accoucher du single « Wrong Adress », un savant mix de reggae roots matiné d’influences néo soul et où elle raconte l’histoire tragi-comique de sa tante contrainte de mentir sur son adresse pour obtenir un emploi.

Le single devient numéro 1 et reçoit un accueil plus que favorable auprès des radios qui vont le placer en boucle, marquant ainsi de manière fracassante l’entrée dans le ghotta des musiciens jamaïcains.
Très attachée à l’ Afrique, c’est au Ghana où elle va souvent pour se ressourcer qu’Etana va gagner ses galons de star mondiale lors d’un concert en présence de la Présidente du Ghana herself.
De ces pérégrinations sur la terre de ses ancêtres, naîtra le désormais célèbre « Roots « single dans lequel elle réaffirme sans complexe son identité africaine.

Le fruit était enfin mûr, et en 2008, Etana publie son premier album au nom évocateur de The Strong One comme un pied de nez aux obstacles qui avaient jalonné son parcours. S’ensuivront trois autres albums, Free Expressions en 2011,Better Tomorrow en 2013 et I Rise en 2014.

Le secret de son ascension est certainement lié au fait que malgré son jeune âge, Etana est comme une sorte de bibliothèque où sont rassemblées toutes les époques du reggae mais aussi parce que la native de Kingston sait toucher tous les publics du fait de son extraordinaire polyvalence. Le message contenu dans sa musique est tout aussi puissant, car pour Etana, sa musique est pratiquement un sacerdoce, une arme pour l’émancipation des masses.Zack Badji

Illustration: dessin de Régine Coudol-Fougerouse

Même si le monde de la pop ne jure plus que par elle, il aura fallu pratiquement vingt ans de persévérance à Sia Furler pour se faire une place au soleil.
Fille de célèbres musiciens de rockabilly, Sia vient au monde le 18 décembre 1975 à Adélaide, dans la partie méridionale de l’Australie. Très vite, elle démontre une passion dévorante pour la musique et c’est très naturellement qu’elle fait ses débuts au sein du groupe australien Crisp au début des années 90. Reconnue dans son pays pour ses talents de choriste, les tentatives de Sia pour entamer une carrière solo se révèlent infructueuses. Sia rêve en plus grand et décide de s’envoler pour l’Angleterre.

Nous sommes en 1997 et le landerneau musical anglais se met tout à coup à bruisser du nom de cette australienne au timbre de voix et à l’intensité vocale hors-normes. Sia va se alors collaborer avec des artistes comme Jamiroquai, William Orbit ou Zero7 avec qui Sia produira trois albums.

Il faudra attendre l’année 2000 pour voir Sia produire son propre single intitulé Taken for Granted qui atteint une modeste centième place dans les charts australiens, mais divine surprise, se hisse à la dixième place au Royaume Uni ce qui a pour effet d’attirer l’attention du public européen qui voit arriver dans les bacs le premier album solo de Sia en 2001.

Même si le succès de Hearing Is Difficult n’est pas phénoménal, il permet à Sia d’apparaître enfin dans la lumière quand le réalisateur de la célèbre série Six Feet Underdécide de choisir son titre Brathe Me pour illustrer la scène finale. Le buzz est immédiat, ce qui permet à Sia de faire une tournée de promotion presque triomphale de telle sorte qu’en 2008, l’audience américaine de Sia s’est tellement développée que son troisième album Some People Have Real Problems débute à la 26ème place, ce qui n’est pas une mince affaire dans le contexte hyper concurrentiel des Usa.

Cela donne évidemment des idées à Sia qui, en 2009 refuse de travailler sur le nouvel album de ses complices de Zero 7 pour se consacrer entièrement à une carrière solo. Avec l’aide du bassiste Sam Dixon, Sia va définitivement prendre son envol, surtout en écrivant plusieurs chansons de l’album Bionic de Christina Aguilera paru en 2010. Sans oublier d’écrire des chansons pour elle-même, notamment le titre We are Born, qui atteint la deuxième place des charts australiens et reste, jusqu’au moment où nous parlons , le titre le plus populaire de Sia dans le monde. Mais Sia va subir le revers de cette médiatisation soudaine, et se supportant mal la pression,Sia va se réfugier dans des paradis artificiels, commettant au passage une tentative de suicide dont elle réchappe miraculeusement. C’est le coup de fil d’un ami qui va finalement la convaincre d’entamer une cure de désintoxication. Après sa sortie de l’hôpital, Sia va passer les quatre années suivantes à écrire des chansons pour Madonna, ses amis de Marron 5, Britney Spears, Beyoncé ou Rihanna pour qui elle écrit le mega tube Diamonds.

Ce n’est qu’en 2013 que Sia s’attelle à l’écriture d’un nouvel album qui paraît en juillet 2014, mais dans le contrat qui la lie à la maison de disques RCA, Sia obtient de ne pas avoir à aller en tournée et de ne pas parler à la presse, ce qui constitue une première dans l’histoire de la musique. Lors de sa première apparition promotionnelle dans l’émission d’Ellen Degeneris, Sia va d’ailleurs chanter le dos au public, provoquant un buzz incroyable autour de celle que certains surnomment déjà « la chanteuse la plus mystérieuse du monde ». mais Sia Furler déchaîne tant les passions, c’est qu’elle porte à elle seule l’histoire de la musique alternative, comme un pont entre les années disco et les nouvelles musiques urbaines. Mais aussi et surtout parce qu’elle chante comme si c’était la dernière fois, et cette sincérité transpire dans sa musique, faisant d’elle l’une des artistes les plus authentiques de son temps. Zack Badji

Illustration: aquarelle de Régine Coudol-Fougerouse